The unfinished Conversation
Cine Documental
Dirección: John Akomfrah
Año: 2012
Epígrafe: El “selfie” imposible
En mayo de este año tuve la oportunidad de ver en el MOMA de Nueva York la instalación audiovisual de tres pantallas simultáneas titulada The unfinished Conversation (John Akomfrah, 2012). Se trata de una obra homenaje a Stuart Hall, intelectual e impulsor de los estudios culturales, así como destacado miembro de la British New Left que falleció en 2014. Akomfrah se centra precisamente en el concepto de “becoming” desarrollado por Stuart Hall para pensar la identidad como una conversación que no termina jamás, que nunca es conclusiva, imposible de fijar o atrapar, se trata, más bien, de un devenir. Para ello se sirve de tres pantallas en la que se proyectan simultáneamente hechos de la vida de Stuart Hall, entrevistas e intervenciones públicas, así como imágenes de eventos históricos que tuvieron lugar en esa época. De esta forma, Akomfrah apunta a mostrar en la persona de Stuart Hall cómo la subjetividad se va conformando entre lo interior y lo exterior más allá del origen o de la identificación a una raza o cultura, las identidades se construyen para Stuart Hall en el cruce de lo histórico, lo político y lo psíquico. Cabe destacar la importancia de la proyección en tres pantallas porque pone en acto la imposibilidad de atrapar la identidad, de fijarla en una única imagen.
http://www.moma.org/collection/works/202991
Constanza Meyer, Madrid.
Sonita
Cine Documental
Dirección: Rohsareh Ghaemaghami (Irán)
Año: 2015
Epígrafe: Nominaciones
El documental narra la historia de una adolescente afgana que entra en Irán sin papeles. Comienza a cantar hip hop en los suburbios de Teherán. De esta forma, logra conquistar nuevos territorios que le permiten separarse del Otro opresivo que la rodea, y forja una identidad singular. Se convierte en una figura carismática a nivel social, denunciando la falta de libertad que sufren otras jóvenes que, como ella, se encuentran sometidas a la servidumbre de un matrimonio forzado, lo que con ingenio pone de manifiesto en su «Brides for sale» (novias a la venta), tema que canta con un velo de novia y un código de barras en la frente. Sonita encuentra en el rap la posibilidad de edificar una identidad propia con la que librarse de los planes de venta y de casamiento de su familia; busca y encuentra en movimiento otro destino en este mundo globalizado. La identificación con el «soy rapera» despliega la enunciación en toda su extensión, haciendo posible la transformación subjetiva y la transfiguración de lo real.
Josefa Rodríguez, Canarias.
Saucer-like
Aventura Gráfica
Autores: Jose Garnelo, Nicolás Casal, Xavier Núñez
Año: 2017
Epígrafe: Construcciones del Adolescente
Saucer-like es una aventura gráfica, un videojuego original en los tiempos actuales. En el juego hay 40 escenarios que han sido pintados a mano, con una banda sonora muy sugerente y emotiva.
Dos personajes sobresalen: Yanagi y Aomane.
Según los autores el tema central sobre el que gira el videojuego es: “la identidad individual y el rol del individuo en la sociedad”. Los creadores no tratan de ofrecer sus propias tesis, sino cómo cada personaje del juego encuentra su modo de hacer frente a las situaciones que están viviendo y que se le presentan.
Yanagi es un personaje que aparece como un “avatar clásico, una representación del jugador en el universo del juego”. Pero a su vez, Yanagi es un personaje en el que su singularidad está presente, en su entorno y en sus vínculos con los demás.
Es huérfano y vive en una casa alejada de la aldea. Es, según nos dicen sus autores, un personaje díscolo, despistado, con pocos vínculos con sus iguales “pero que se lleva bien con aquellos que entienden y aprecian sus particularidades”. Yanagi “es un inconformista, poco gregario”. Los creadores del juego quieren “invitar a la reflexión, lanzan preguntas al jugador” para que sea éste el que decida si quiere pensar sobre lo planteado.
Yanagi tiene que tomar una decisión, seguir el ritual o no. Tiene que realizar una elección entre seguir los rituales de su pueblo u otra que es el camino más solitario. Pero estas opciones no “están escritas, ni se plasman visualmente”. El jugador tiene que jugar su partida.
Aomane es una chica que se marcha del pueblo, elige una postura contraria “más extrema”. Le plantea a Yanagi que no son tan diferentes, ella ha ido hasta el final en su deseo, mientras que lo que elige Yanagi es una opción más acorde con su pueblo, pero también “más cobarde”.
Para Jose Garnelo Aomane “es una heroína romántica, que renuncia al amor de su vida con tal de seguir, indomable, actuar según sus principios”.
Mientras juegan, los jugadores pasean por unos paisajes plácidos, acompañados de una banda sonora que “invita a la contemplación”. Yanagi frente a otros avatares actuales se mueve despacio, con calma, para poder pensar, reflexionar. Dejar este espacio es una intención de los creadores, a contracorriente de la época actual donde todo va rápido, donde impera la inmediatez de la satisfacción de los goces singulares.
Miller señala en el texto “En dirección a la adolescencia” que la adolescencia es un tiempo de construcción.
En la época actual “los registros tradicionales que enseñaban lo que conviene ser y hacer para ser un hombre, para ser una mujer, retroceden. Intimidados ante el dispositivo social de la comunicación, son destituidos. Estos registros tradicionales son tanto las religiones como todo lo que era … la common decency…”
Saucer-like da cuenta de alguna manera de las encrucijadas de los sujetos adolescentes y cómo cada parlêtre debe jugar su partida, realizar sus elecciones singulares.
Isabel Alonso Martín, Vigo.
Martín (Hache)
Dirección: Adolfo Aristaráin
Año: 1997
Epígrafe: Trans-identidades
Hoy todo es posible respecto de la identidad sexual. Así, surgen movimientos como el del pansexualismo que tienen muchos adeptos entre los más jóvenes -esto también hay que decirlo. Aunque tenemos la versión noventosa del personaje de Eusebio Poncela en Martin H., Dante. Todo un antecedente del pansexualismo como identidad de género del siglo XXI.
Los pansexuales se diferencian de los bisexuales y hasta tienen una bandera propia, que con sus colores ampara el más allá de todo binarismo hombre-mujer, hétero-homo. Fucsia, Amarillo y Turquesa. La franja amarilla de la bandera incluye a todos, no importa el género que sea.
«¡Hay que follarse a las mentes!», le dice Dante a Martín H. ¿Se trata de una misma versión de pansexualidad? Vale aclarar que lo que define a los “pansexuales” no es algo del orden del “vale todo”, y en este sentido se diferencian de los “omnisexuales”. El pansexualismo tiene una versión más romántica, si se quiere. Podemos decir que dejan bastante de lado la cuestión del goce fálico, en tanto se enamoran “de la persona”… Hay que ver qué quiere decir esto para cada uno en el laberinto del uno por uno en un análisis; pero de momento es lo que los define en tanto grupo identitario.
Betina Ganim, Barcelona.
María (y los demás)
Dirección: Nelly Reguera
Año: 2016
Epígrafe: Usos de lo Imaginario
María (y los demás), es una atractiva película tragicómica, centrada en María, un personaje cuya identificación primordial es a su madre muerta hace 20 años, cuando ella estaba saliendo del tiempo de la infancia. Desde entonces, comparte la vivienda con su padre a quien se ocupa de cuidar, así como a sus hermanos y amigos.
Podemos pensar en que esta identificación María da sentido a su existencia y a su vivir cotidiano, en una estructura histérica. Para María su identidad está ligada a esta posición en la que se ubica en el lugar de la falta en el Otro, identificándose al deseo del Otro.
Lacan en el Seminario RSI señala: “Si hay Otro real, no está en otra parte sino en el nudo mismo, y es en eso donde en donde no hay Otro del Otro. Identifíquense a lo imaginario de este Otro real, y es la identificación de la histérica al deseo del Otro”.
Toda la existencia de María está sostenida en esta posición y el precio es su insatisfacción y la renuncia a sus propios deseos.
Este mundo se derrumba, tras haber cuidado a su padre de una grave enfermedad en la que María llevaba todo el control: medicación, citas, alimentación… Su padre, de manera sorprendente para ella, decide casarse con su enfermera, sus hermanos toman decisiones sin contar con ella, en su trabajo las cosas tampoco van como ella desearía, su amante tampoco responde a sus demandas de amor. María, siente su soledad y percibe que tiene que tomar las riendas de su existencia y de su porvenir. Atreverse a vivir su propia vida, más allá de su identificación imaginaria.
Isabel Alonso Martín, Vigo.
Los últimos años del artista: afterimage
Dirección: Andrzej Wajda
Año: 2016
Epígrafe: Nominaciones
Se trata de la desgarradora historia del pintor W. Strzeminski que transcurre en Polonia en los últimos años del gobierno de Stalin. Él es un pintor consagrado que se ve empujado a adecuar su obra de arte al realismo social que se quiere imponer en ese momento histórico. Pierde todo lo que tiene, su lugar en la Universidad, en los museos, hasta llegar a un final trágico. Es el caso de un sujeto que no quiere/no puede abandonar su arte tal como es para someterse al gusto del tirano. Defiende su deseo, su pintura, hasta la muerte.
Graciela Sobral, Madrid.
La seducción
Dirección: Sofia Coppola
Año: 2017
Epígrafe: Comunidades de goce
Sofia Coppola pone en imágenes un fantasma femenino ya aislado por Lou Andreas Salome en 1914 en su artículo publicado en la revista “Imago” titulado “Sobre el tipo de mujer”. En dicha publicación se resalta la imagen femenina más allá de la madre con el niño. La autora pone de relieve la madre junto al cuerpo de Cristo mortificado “aquella que inmola aquello que dio a luz, la que entrega al hijo al mundo y a la muerte”.
Coppola nos narra una historia basada en una novela del escritor inglés Thomas Cullinam que fue llevada al cine por Don Siegel en 1971. La directora vuelve sobre la novela para presentarnos un cuento gótico y cruel ambientado el la guerra de Secesión americana 1864. Se desarrolla en un internado de señoritas muy sureñas, religiosas y aplicadas a las tareas domesticas, en ese remanso se cuela el enemigo, un soldado nordista, desertor y mal herido que reclama atenciones y cuidados. El sentimiento de piedad y amor se desata hasta límites extremos y vemos aparecer imagen tras imagen lo que se ocultaba detrás de dicho sentimiento. Allí donde Siegel tiene que mostrar un cuadro de época de “La Pietá”, Sofia Coppola, de forma sutil e inteligente, nos desgrana aquello que sostiene la ferocidad femenina en una pequeña comunidad y que es una pregunta también para las mujeres.
Carmen Carceller, Valencia.
Viva
Dirección: Paddy Breathnasck (Irlanda)
Año 2016
Epígrafe: Trans-identidades
Coproducción irlandesa-cubana. La cinta preseleccionada al Óscar a la mejor película extrajera narra la historia de amor entre un padre y un hijo.
Jesús un adolescente homosexual de 18 años, se encuentra en plena búsqueda de su identidad, cuando el padre reaparece en su vida. Se gana la vida como peluquero de señoras y arreglando las pelucas de los artistas travestis en un cabaret de la Habana.
El padre, un ex boxeador de éxito al que creían muerto y del que no tenía noticias desde la infancia, regresa de la cárcel y le sorprende en el Club de transformismo vestido de mujer mientras canta canciones de amor. El conflicto está servido y estalla la tensión entre ellos.
La convivencia de los dos en la destartalada casa familiar se agrava con la pobreza y la precaria situación social de ambos, lo que obliga a Jesús a prostituirse con turistas, a escondidas del padre.
El papel que ejercerá el travesti que regenta el club de travestis, «Mama», será primordial en la reafirmación de la identidad de Jesús. «Viva» es el nombre que el protagonista encuentra sobre las tablas, en su esfuerzo singular para ser reconocido como mujer haciendo performances de cantantes famosas. El filme podría incluirse también dentro del epígrafe nominaciones.
Josefa Rodríguez, Canarias.
El hombre elefante
Dirección: David Lynch
Año: 1980
Epígrafe: Usos de lo imaginario
No soy un monstruo
El grito desgarrado de Joseph Merrick nos recuerda el abismo que existe entre las etiquetas identitarias de lo que no es lo normal y el esfuerzo del sujeto por reclamar su singularidad y su humanidad frente a la cosificación.
El hombre elefante, segundo largometraje de David Lynch, es un trabajo que mereció el premio César en Francia donde nos cuenta una historia alrededor de lo monstruoso y sus consideraciones sociales.
Este film es un paso más alla de “Cabeza borradora”, primer largometraje de Lynch, que realiza tras pasar por un largo periodo de estupor y perpejlidad como nos relata en su documental “The art life”. Allí nos explica con detalle su proceso de creación a través de su recuerdo infantil cuando vio “algo fuera de este mundo” y la noche que pasó en un mortuorio mirando cadáveres en silencio. Todo ello concluye en una obra muy valiosa como cineasta y pintor.
En su decir, “La depresión, la rabia y la pena resultan bellas dentro de una historia, pero son como una tenaza a la creatividad. Si te aferras, no te levantas, para crear hay que tener claridad y atrapar ideas”.
Para entender los usos de lo imaginario, resulta imprescindible visionar su último documental, donde da cuenta de su oscuridad y esplendor.
Carmen Carceller, Valencia.
Hamlet
Dirección: Kenneth Branagh
Año: 1996
Epígrafe: Usos de lo imaginario
En esta interesante adaptación del clásico de Shakespeare podemos encontrar dos identificaciones frente a los cuestionamientos de Hamlet en su famoso monólogo en el que se presenta su falta en ser: Una primera identificación al objeto a, una identificación narcisista especular en la escena de los espejos.
Se observa una segunda identificación al objeto del deseo. Lacan lo sitúa por medio de Laertes, su amigo y hermano de Ofelia, en la lucha con los floretes y en el duelo y lamento por la muerte de Ofelia, con la que se produce una identificación en tanto muerta.
Isabel Alonso, Vigo.
La invasión de los ladrones de cuerpos
Dirección: Don Siegel
Año: 1956
Epígrafe: Ser hablante y multitud
En cuanto conocí el tema de nuestras próximas Jornadas, me vino a la cabeza inmediatamente una película que había visto de niña, y que me había quedado muy grabada. Por algún motivo que mi ser infantil no podía comprender, aquella idea de unos clones que usurpaban el cuerpo de los seres humanos y lo reemplazaban por el de autómatas sin sentimientos, me pareció profundamente inquietante. No sabía, por entonces, hasta qué punto aquella ficción podía acercarse a la realidad. Esta película, de bajo presupuesto y gran éxito, data de 1956. En esa época tenía lugar la cruzada anti-comunista. Pero en su estructura se reproduce fielmente la de una “nueva” cruzada que se está llevando a cabo en nuestros días: la proscripción de la subjetividad. El forzamiento para reducir el cuerpo al organismo, y todas sus consecuencias. El cumplimiento de la peor de las pesadillas: ¡¡todos iguales!! Todavía resulta emocionante ver al protagonista, cuando comprende lo que está en juego, y lo formula de un modo tan apasionado como sencillo: se trata de elegir entre la sumisión o el amor.
(minuto 46:26)
Marta Maside, A Coruña.
Billy Elliot
Dirección: Stephen Daldry
Año: 2000
Epígrafe: El fin de la infancia
Billy es un pequeño de 11 años, que se enfrenta a las identificaciones que le ofrecen como semblantes masculinos su padre y su hermano, que son mineros y en ese momento participan una huelga del carbón.
Si su padre lo apunta en un centro deportivo para que aprenda a boxear, Billy tiene una identificación inconsciente a su abuela materna que deseaba ser bailarina en su juventud. Es en ese lugar, el centro deportivo, donde Billy descubre el baile, en concreto el ballet y frente a la oposición inicial de su familia, Billy perseguirá su deseo, haciéndose cargo de él.
Marca como acontecimiento de cuerpo que se convierte en un sinthome para Billy frente a la pregunta que le hace un jurado por lo que siente cuando baila.
(Inglés con subtítulos)
Escena final
Isabel Alonso, Vigo.
Alicia en el País de las Maravillas de Walt Disney
Dirección: Clyde Geronimi y Wilfred Jackson
Año: 1951
Epígrafe: Construcción del adolescente
Este film capta la incertidumbre propia de la adolescencia. Después de pasar por varias experiencias insólitas, Alicia se encuentra con la oruga azul, que muy tranquilamente y con aire prepotente, le pregunta “¿Quién eres tú?” La niña que ha cambiado tantas veces de tamaño, llena de dudas y confusión, responde no saber quién es. “Yo no soy yo”.
Josefa Rodríguez, Canarias.
Martín (Hache)
Dirección: Adolfo Aristaráin
Año: 1997
Epígrafe: Construcción del adolescente
Esta película refleja problemáticas que siguen de plena actualidad. Martín lleva el nombre de su padre pero le añaden (Hache) para diferenciarlo de éste, del que vive separado y en otro país. (Hache) presenta problemas, ya que esta (Hache) le niega una nominación e identidad singular. En un momento de desorientación, lo empuja incluso a un accidente que es un suicidio encubierto.
Propongo dos escenas en las que (Hache) se hace preguntas sobre lo que es ser un hombre y dejar el tiempo de la infancia, a la vez que plantea las elecciones singulares.
Isabel Alonso, Vigo.
La próxima piel
Dirección: Isaki Lacuesta e Isa Cuesta
Año: 2016
Epígrafe: Construcción del adolescente
Película que se desarrolla en la zona fronteriza de los Pirineos, drama lleno de incógnitas que gira en torno a la identidad, a los traumas pasados, y a temas de actualidad como la violencia de género. Una madre busca a un hijo desaparecido ocho años antes, único sostén de su vida. Cuando este joven aparece, se encuentra desorientado frente a todo lo nuevo y desconcertante que le rodea. Ahí surge la identificación al grupo de iguales, cuestión primordial en el momento adolescente.
Isabel Alonso, Vigo.
Zelig
Dirección: Woody Allen
Año: 1983
Epígrafe: La máquina de etiquetar: Ciencia, Universidad y Biopolítica
Por su necesidad de ser aceptado, Zelig, se transforma de forma instantánea y simultánea, en otros personajes; adopta múltiples identidades dependiendo de la situación en la que se encuentre. Su transformación, mimética, camaleónica, lo convierte en un fenómeno mediático, digno de interés para la comunidad científica norteamericana.
Josefa Rodríguez, Canarias.
La Chica Danesa
Dirección: Tom Hooper
Año: 2015
Epígrafe: Cuestión de género, género en cuestión
La cinta cuenta la historia real de la primera mujer transgénero que se sometió a una intervención de reasignación de sexo. El tráiler recoge las palabras de Einar, antes de transformarse en Lili. “Soy una mujer. Este no es mi cuerpo, tengo que dejarlo”.
Josefa Rodríguez, Canarias.
Persona
Dirección: Ingmar Bergman
Año: 1966
Epígrafe: Identificación: atravesamiento y restos
Película, vanguardista, que plantea con grandes interrogantes y que versa sobre la identidad del sujeto. Surge de una crisis subjetiva del propio director a quien una enfermedad lleva a un ingreso hospitalario y de ese momento de desanudamiento subjetivo. El argumento gira en torno a una actriz que pierde la voz mientras representa una obra, Electra, en donde los personajes, la protagonista y su enfermera, se entremezclan.
Isabel Alonso, Vigo.
La teoría sueca del amor (documental)
Dirección: Erik Gandini
Año: 2016
Epígrafe: Comunidades de goce
Esta película muestra cómo un país entero se ha identificado a un significante amo: la independencia. Vemos que una identificación a un valor, independencia, se convierte en significante privilegiado transformando la subjetividad hasta el extremo de romper los vínculos sociales. La radicalización de esa identificación lleva a un modo de vida que da la espalda a la cuestión del amor. Nos encontramos con sujetos en soledad, “yo soy solo”. Esta independencia radical que pretende obturar la falta en ser, sin embargo, da como resultado una vida solitaria, vacía y sin vínculos.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=CKk0wNbHEeU
En Filmin se puede ver la película completa:
http://www.filmin.es/pelicula/la-teoria-sueca-del-amor
Olga Montón, Madrid.
Kill Bill Volumen I y II
Dirección: Tarantino
Año: 2003 y 2004
Epígrafe: Comunidades de goce
Beatrix, La Novia, decide separarse de un grupo de asesinos profesionales, que trabajan como mercenarios en venganzas, guerras sucias, asesinatos políticos, bandas de narcotraficantes… Es una comunidad de goce sostenida en la pulsión de muerte con un vínculo identitario a un líder, que funciona como un amo y mantiene cohesionado al grupo.
Beatrix está identificada a este goce y unida a Bill por una relación amorosa, pero decide abandonarlo a él y a esta comunidad de goce al saberse embarazada, buscando una nueva vida anónima alejada de su vida pasada. La maternidad aleja a Beatrix de su posición con la comunidad de goce y de Bill.
Versión en inglés:
http://youtu.be/loeOHKozuFM
Encontrada por Bill y la banda, es atacada durante el ensayo de su boda, no muere, pero queda inconsciente. Tras su despertar, recuerda lo sucedido, la pérdida del bebé que esperaba y la venganza en solitario será su brújula. Quizás Tarantino juega con el significante Bill, que en inglés también significa cuenta, ya que en esta película Beatrix “arregla las cuentas” con su antigua comunidad de goce que intentó masacrarla cuando ella quiso separarse.
http://youtu.be/dHYDFClKqHww
Duelo final con Bill:
http://youtu.be/hPxYFbfBh
Encuentro con su hija:
http://youtu.be/9-qk52EZ7zj8
Isabel Alonso, Vigo.
